La importancia de una cultura visual

"...Jamás olvidaré aquel momento en que mi profesor de laboratorio le preguntó a uno de los alumnos: ¿tú ves muchas fotografías, verdad? Entonces, me acerqué a sus imágenes y descubrí que tenían algo especial, estaban muy bien compuestas, desprendían buen gusto. Por aquel entonces yo tenía 18 años y ningún conocimiento de historia de la fotografía, pero esas palabras se quedaron rondando en mi mente.

De aquel tiempo a esta parte el mundo de la fotografía ha crecido a pasos agigantados. Tenemos a nuestro alcalce millones de imágenes a golpe de click, quizá demasiadas para nuestro entendimiento. Pero ahí están. Podemos valorar interiormente, comentar públicamente. No obstante, ¿hasta qué punto puede ésto servirnos como fotógrafos?

Indudablemente depende de para qué utilicemos la fotografía. Si nuestra meta está enfocada a exponer en galerías y pertenecer a un grupo más artístico, tendremos que poner nuestra mirada en los grandes fotógrafos, porque sólo ellos han llegado al olimpo siendo parte de los más importantes múseos y son ellos quienes nos van a dar las pistas para ir educando a nuestro ojo devorador de imágenes, que actúa sin cierto criterio a veces.

El Museo del Louvre, uno de los mejores contenedores visuales del mundo.

Si queremos movernos en este terreno, no vale con encerrarnos delante de nuestro ordenador. Debemos experimentar las sensaciones que nos provoca ver una exposición en vivo. Tratar no sólo de entender lo que se nos está planteando (para ello es muy bueno, si no conocemos al autor, ayudarnos con folletos explicativos) si no fijarnos en lo material, cómo se presentan las imágenes, tipos de papel, soportes. Pensar para nosotros mismos cómo hubiésemos hecho ese tipo de fotografía, de exposición. A la larga son ejercicios que agudizan nuestra capacidad creadora.

Pero no sólo de fotografías podemos nutrirnos, la pintura y la escultura nos abren otra dimensión.perspectiva, ésa que se inventó en el Renacimiento y de la que actualmente se sigue hablando cuando mostramos una foto. Luces, claroscuros, colores, un sinfín de fuentes de inspiración para nuestro trabajo. La escultura es ideal para reconocer los volúmenes, para pensar en tridimensional y ejercitar nuestra mirada que nos ayudará mucho a la hora de hacer retratos.

Pensar en fotografía a través de la pintura puede ser muy enriquecedor. Tenemos que tener en cuenta que los cánones de representación de la fotografía vienen marcados por la cultura visual nos rodea lo queramos o no. El cine puede ser también un recurso de lo más inmediato.

Hay que intenetar ver las películas analizándolas desde un punto de vista estético, centrándote en los planos más allá de la historia. Y luego da un paso más, si una película te ha gustado formalmente, echa mano de los créditos finales e investiga sobre su director de fotografía, eso te llevará a ver más imágenes para enriquecerte visualmente, es lo que nos interesa.

El camino hacia una cultura visual hay que recorrerlo día a día.

En definitiva, nútrete de imágenes consideradas de calidad por la crítica. Por supuesto que un fotógrafo debe tener instinto, pero también se nota mucho cuando tiene una fuerte cultura visual a sus espaldas.

La Fábrica y el MoMA coeditan
El ojo del fotógrafo, de John Szarkowski

PES.- La Fábrica Editorial y el Museum of Modern Art (MoMA) de Nueva York coeditan El ojo del fotógrafo, un volumen clásico de la historia de la fotografía escrito por el crítico y comisario de fotografía más importante e influyente de su tiempo, John Szarkowski. La presente edición, primera en lengua castellana, pone a disposición del lector este emblemático libro escrito por el director emérito del departamento de fotografía del MoMA.

El ojo del fotógrafo nació a partir de una exposición de 1964 y fue publicado por primera vez en 1966. Es una excelente introducción al arte de la fotografía que reúne 173 imágenes tanto de respetados maestros como de fotógrafos desconocidos que permiten bosquejar el lenguaje visual y creativo de la fotografía y revelan el extraordinario alcance y posibilidades del medio fotográfico.

En la década de los 60, el mundo de la fotografía estaba lejos de ser lo que es hoy en día, con sus espacios en museos, galerías, universidades y el mercado del arte. Fue en ese momento cuando Szarkowski concibió El ojo del fotógrafo, un manual para educar al reducido pero creciente y entusiasta público que en ese momento tenía la fotografía. El propio autor era fotógrafo, lo que le llevó a identificar las principales características y problemas del medio, contribuyendo a formular un vocabulario particular y una perspectiva crítica.

Fotógrafo desconocido. Pareja con daguerrotipo, ca. 1850. Daguerrotipo. Virginia Cuthbert Elliott, Búfalo, Nueva York

El volumen reflexiona acerca de cómo la invención de la fotografía trajo consigo un método de creación de imágenes radicalmente nuevo, basado no en la síntesis sino en la selección. La diferencia era básica: las pinturas se crean, se construyen a partir de un conjunto de esquemas, habilidades y actitudes tradicionales; las fotografías, sin embargo, se toman. Esta diferencia planteó un problema creativo de nueva índole: ¿cómo podría ese proceso mecánico y ausente ofrecer imágenes significativas en términos humanos; imágenes dotadas de claridad, coherencia y perspectiva? Este libro investiga las características visuales de la fotografía y las razones que las explican. Se interesa por la tradición y el estilo fotográficos, con el sentido posibilista que el fotógrafo aplica hoy día a su trabajo.

Fotógrafo desconocido. Una boda, s. f.

John Szarkowski divide las imágenes en cinco apartados, en cada uno de los cuales se examinan las diversas alternativas a que se enfrenta el artista cámara en mano: La cosa en sí, El detalle, El marco, Tiempo y Posición aventajada. Para ello utiliza 173 fotografías en blanco y negro de autores tan destacados como Berenice Abbott, Manuel Álvarez Bravo, Eugène Atget, Richard Avedon, Brassaï, Julia Margaret Cameron, Henri Cartier-Bresson, Robert Doisneau, Elliott Erwitt, Robert Frank, William Klein, Dorothea Lange, Edweard Muybridge, Irving Penn, August Sander, W. Eugene Smith, Edward Steichen, Paul Strand y Edward Weston.

John Szarkowski (EE.UU., 1925 - 2007) usó su primera cámara a los once años. Comenzó sus estudios en la Universidad de Wisconsin, pero tuvo que interrumpirlos para servir en el ejército durante la II Guerra Mundial. A su regreso continuó estudiando y se licenció en Historia en 1947. En 1962 se incorpora a la plantilla del Museo de Arte Moderno de Nueva York (posteriormente denominado MoMA), ya como fotógrafo consumado y con dos libros publicados. Dentro de las muchas y determinantes exposiciones que comisarió destacan colectivas como New Documents (1967), Mirrors and Windows (1978) y Photography Until Now (1990). Fue el primero en descubrir el talento de Diane Arbus, Lee Friedlander y Garry Winogrand, entre otros, y organizó muestras individuales de autores como William Eggleston y Eugene Atget. Sus libros The Photographer's Eye (1964) y Looking at Photographs: 100 Pictures From the Collection of the Museum of Modern Art (1973) son referentes obligados en los programas de estudio de Historia del Arte.

----Miércoles 08 de Junio de 2011 - Manuel López

El ojo del fotógrafo. John Szarkowski. La Fábrica Editorial. 156 páginas.

Sociedad

Compartiendo Emociones.

Estimados amigos todos, con un mezcla  rara de satisfación, incertidumbre, melancolia, cierta dosís de aprensión, pero cargados de ilusiones y sueños nuevos, ayer en horas de la noche pusimos "al aire" nuestro sitio web. http://www.imagenestw.com.ar

Nos lanzamos al ruedo cybernetico con casa propia!... después de mucho trajinar, de muchas idas y vueltas armando nuestra "nueva casa", hoy podemos decir que estamos en camino; que empezamos a compartir con Uds. queridos lectores y amigos, nuestra publicación online!

http://www.imagenestw.com.ar ,  es un sitio web (como este blog de la coctelera) que nos permitirá comunicarnos y conocernos más alla de cualquier frontera. Dedicado al intercambio noticioso, abierto a la ideas, a la participación, a la reflexión y al desarrollo del conocimiento humano, fue creado con la principal finalidad de acercarnos el mundo de la cultura, las artes plásticas, visuales, las noticias, el deporte, las letras, al universo de la fotografía y a todo aquello que nos sirva para crecer (y creer) para ejercer nuestro propio derecho de libertad...  los esperamos!!

PD: un parrafo aparte merece la dirección de esta bendita "batidora" ( a sus creadores, dueños , programadores etc.)que nos permitió gratuitamente , desarrollar nuestra idea, conocerlos y compartir casi dos años y medio de nuevas experiencias, notas, fotografía pero principalmente, lograr una comunicación y una comunión de ideas que nos deja contentos y satisfechos con la tarea que emprendimos alla por junio del 2007, cuando este,  solo era un proyecto que daba sus primeros pasos. GRACIAS A TODOS, son hasta el momento más de 400.000 personas!! las que nos visitarón , las que compartieron, opinaron, nos criticarios y nos mimaron  a lo largo de todo este tiempo. Nuestro compromiso será el de siempre, trabajar con responsabilidad manteniendo nuestros valores para lograr una sociedad más justa en la que todos estemos involucrados. GRACIAS de nuevo y hasta pronto

PD": No se crean se se libraran tan facilmente de nosotros!!! :)

Raúl Gallego, editor y fotógrafo

Cultura & Sociedad

A todos los amigos y colegas que generan mundos/imagen acá va una batería de frases de los grandes maestros, que no debemos olvidar.

Fotografiar es colocar la cabeza, el ojo y el corazón en un mismo eje. Henry Cartier-Bresson

Lo importante es ver aquello que resulta invisible para los demás. Robert Frank

La fotografia no puede cambiar la realidad pero si puede mostrarla. Fred Mc Cullin

No me interesa la fotografia sino la vida. Henry Cartier-Bresson

Uno se convierte en fotógrafo cuando ha superado las preocupaciones del aprendizaje y en sus manos la cámara se convierte una extension de uno mismo. Entonces comienza la creatividad. Carl Mydans

Al contrario de lo que se acostumbra a decir creo que la fotografia se parece más a la literatura que a la pintura. Francesc Català Roca

Mirar, fotografiar un paisaje bello es un poco como escuchar música o leer poesia, ayuda a vivir. Marc Riboud

Dadme un primer plano y fotografiaré el mundo. J.M.C.

Una buena fotografia casi nunca se hace por azar. Alejandro Pradera

Siempre he pensado que si la fotografia fuese más dificil de hacer, su producción, en lineas generales, mejoraria notablemente. La misma facilidad con la que puede tomarse una imagen trivial conduce con frecuencia a un vacio creativo desastroso. Ansel Adams

Vaya mucho al cine, vea muchas obras de arte, lea mucha poesía y después en dos horas yo le enseñaré a hacer fotos. Paco Vera

Se ve solo con el corazón, lo esencial es invisible para los ojos. A.de Saint Exupery

El acto más dificil es aquel que consideramos más simple: percibir con una mirada despierta las cosas que se presentan ante nuestra vista. Goethe

Entre las muchas formas de combatir la nada, una de las mejores es hacer fotografias. Julio Cortazar

Si tus fotografias no son buenas es porque no te acercastes lo suficiente. Robert Capa

Para convertirse en un buen fotoperiodista es necesario ante todo amar a los seres humanos. Gisèle Freund

Si sabes esperar la gente se olvidará de tu cámara y entonces su alma saldrá a la luz. Steve McCurry

Siempre he mantenido el valor de la perfección formal: la estructura o composición de una fotografía es tan importante como su tema. Esta no es una exigencia estética, como podria suponerse, sino una exigencia práctica. Solo las imágenes poderosamente concebidas tienen la capacidad de penetrar en la memoria, de quedarse allí; en una palabra de convertirse en inolvidables. Brassai

Una fotografia no se toma, se hace. Ansel Adams

Describir es destruir, sugerir es crear. Robert Doisneau

No puedes fiarte de tus ojos si tu imaginación no está enfocada. Mark Twain

La memoria no guarda películas, guarda fotografías. Milan Kundera

La imagen hermosa es una geometría modulada por el corazón. Willy Ronis

La sombra no existe. Lo que tú llamas sombra es la luz que no ves. Henry Barbusse

Saludos para todos birra en mano!!! click,click,click

Berenice Abbott, fotógrafa

Su biografía...

Berenice Abbott nació un 17 de Julio de 1898 en Springfield, Ohio. Fotógrafa estadounidense famosa por su magnífica serie documental sobre la ciudad de Nueva York, así como por su trabajo innovador en el campo de la física.

Estudió escultura en Nueva York y París. A partir de los años veinte se dedicó a la fotografía, debido a la influencia del surrealista estadounidense Man Ray.
A través de él conoció al fotógrafo Eugène Atget, con el que trabajó intensamente.
Regresó a su país en 1929 y casi reprodujo fielmente las formas de hacer de Atget en Paris en la ciudad de Nueva York, completando en 1939 el estupendo trabajo titulado "Changing New York".

De los 40 a los 60 años se dedica a la publicación de libros y al estudio fotográfico sobre diferentes y diversos fenómenos físicos.

Impartió clases mientras se dedicaba a finalizar otro de sus trabajos denominado "Ciencia" y "Escenas Americanas".El último trabajo de fotografía que realizó Abbott, fue sobre una ruta que iba desde Maine (dónde más tarde se establecería) hasta Florida. Berenice fallece en Maine el 9 de diciembre 1991...

Algunas de sus frases:

El fotógrafo es el ser contemporáneo por excelencia; a través de su mirada el ahora se vuelve pasado.

Hacer el retrato de una ciudad es el trabajo de una vida y ninguna foto es suficiente, porque la ciudad está cambiando siempre. Todo lo que hay en la ciudad es parte de su historia: su cuerpo físico de ladrillo, piedra, acero, vidrio, madera, como su sangre vital de hombres y mujeres que viven y respiran. Las calles, los paisajes, la tragedia, la comedia, la pobreza, la riqueza.

Una fotografía no es una pintura, un poema, una sinfonía, una danza. No es justa un cuadro bonito. Es o debe ser un documento significativo, una declaración penetrante.

Llevé la fotografía como un pato al agua. Nunca deseé hacer todo lo demás. El entusiasmo sobre el tema es el voltaje que me empuja sobre la montaña de la servidumbre necesaria para producir la fotografía final.

La cámara no es más un instrumento de preservación, es la imagen.

La fotografía ayuda a las personas a ver

La fotografía sólo puede representar el presente. Una vez fotografiado, la fotografía se convierte en pasado.

Garry Winogrand

Nacido en el Bronx neoyorkino, fue un fotógrafo polémico durante toda su carrera y, sin duda, uno de los estandartes de la fotografía callejera, a la que ayudó a popularizar. Ya en los años sesenta su obra fue expuesta en el Moma de Nueva York. Un artista influenciado por Walkers Evans y Robert Frank, además de Henri Cartier-Bresson, aunque su estilo es bien diferente.

Sabía anticiparse y era muy rápido para capturar las escenas, huyendo de la estética, prevalecía su habilidad. Usaba una Leica y un gran angular y disparaba a gran velocidad, con encuadres atípicos. Además, tras su fallecimiento dejó más de 300.000 imágenes que no terminó de revelar. Imágenes profundas, a veces irónicas pero siempre trascendentes, cuyo resultado es un verdadero ejemplo de fotografía sociológica.

http://es.wikipedia.org/wiki/Garry_Winogrand

Dos estilos estéticos...que fueron uno

En 1935, al estudiar las nuevas tecnologías de reproducción, Walter Benjamin observo que “el ojo es más rápido captando que la mano dibujando”. En esta frase concisa quedo establecida una de las desventajas fundamentales de las artes icónicas quirográficas, frente al automatismo fotoquímico del invento de Niepce y de Daguerre, cuando este hubo superado su estadio inicial y su exigencia de prolongadas exposiciones. Por este motivo, añadido al fetichismo del parecido entre imagen fotográfica y modelo, además de la mayor economía de la nueva técnica, explicaron la pronta implantación de la fotografía. Es bien sabido que a partir de entones la fotografía, como sistema productor y reproductor de imágenes, reemplazo rápidamente al dibujante, al pintor retratista y al grabador.

A falta de criterios estéticos en que sustentar su nueva practica, los fotógrafos primitivos adoptaron como pautas estéticas para su medio de expresión las procedentes de la pintura académica, que les eran perfectamente familiares. De este modo sus concepciones estéticas asociadas al encuadre, a la composición, a la iluminación y a la pose se consolidaron en la fotografía, dando origen a una tendencia que se denominaría pictorialismo. Las estrechas interrelaciones y los préstamos mutuos que se efectuaron entre fotografía primitiva y pintura han sido bien estudiados, especialmente por Aaron Scharf y por Otto Stelzer. La pintura, con su gloriosa y noble tradición multisecular, se ofreció como un modelo estético seguro para los nuevos fotógrafos.

Mario Prac ha considerado que la aparición histórica de la fotografía fue “responsable de los nuevos esquemas de composición pictórica que se difundieron a partir de mediados del siglo: la preferencia por los fragmentos en lugar de las grandes composiciones, el interés por las vistas fugaces de la vida humilde de los campesinos, de la gente anónima y de los paisajes carentes de detalles particularmente atractivos, todo captado como en una instantánea”. Es difícil no concordar con la observación de Prac acerca de la presión de la fotografía sobre la pintura, pero desde finales del siglo XIX, con la creciente popularidad de las cámaras portátiles, mucha gente sin ninguna instrucción pictórica ni conocimientos de las normas tradicionales de composición generaron tal caudal de imágenes heterodoxas (desde el punto de vista del encuadre, la composición, la simetría, el equilibrio de las formas, etc.), que su presión social acabo por aparecer infiltrada en las “herejías” estéticas de la pintura del siglo XX, acomodada así a los nuevos modelos sociales de ver, que de una manera involuntaria legitimaron las desviaciones heréticas de la pintura moderna.

En efecto, después de décadas de tradición cultural aristocratizante menospreciando a la fotografía, juzgándola más como tecnología de reproducción que como verdadero arte, y subordinándola a la pintura, desde los años setenta la pintura llamada “hiperrealista” se ha puesto a imitar servilmente el naturalismo fotográfico con una inversión de esfuerzo artesano muy superior al requerido por el fotógrafo para obtener similares resultados. Esta sumisión - aunque con frecuencia irónica- de la pintura a la técnica fotográfica ha constituido un tardío ajuste de cuentas académico.

Pero a pesar de los esfuerzos de la pintura hiperrealista, la fotográfica se diferencia de las artes plásticas quirográficas por su mayor determinismo óptico, al estar genéticamente condicionada por las formas de la realidad física visible, sin poder fantasear ( salvo utilizando trucajes) en la medida en que puede hacerlo el dibujante o el pintor. Como escribe Barthes, ” la pintura puede fingir la realidad sin haberla visto” O como observa Susan Sotag “el pintor construye, el fotógrafo descubre”. De estas diferencias se derivan ciertas consecuencias esenciales. La fotografía, a diferencia del dibujo, es incapaz de producir esquemas abstractos o estilizados de las cosas, porque es prioritariamente un instrumento de reproducción óptica.

Análogamente, el desnudo fotográfico encontró severos obstáculos legales y sociales para ser aceptado, cuando el desnudo pintado y esculpido acarreaban siglos de  legitimación cultural y estética. Las razones de su censura no eran otras que su “ofensivo” realismo. El desnudo fotográfico de la misma época, y a pesar de no haber conquistado todavía la reproducción cromática que incrementa su carácter autentificador, resultaba todavía mas ofensivamente realista, entre otras razones porque certificaba sin genero de dudas que una mujer se había despojado de sus ropas ante la cámara y su fotógrafo. La paradoja moral se produjo cuando estas prohibiciones y anatemas, al investir a la representación del desnudo de pecaminosidad o de indignidad, le empujaron hacia su circulación en circuitos clandestinos, favoreciendo con ello el desarrollo y cultivo de la pornografía como negocio, pornografía que precisamente se intentaba reprimir.

El fotógrafo de desnudo se dedica probablemente a una búsqueda de la perfección, una vez encontrado el modelo que les agrada, son libres de iluminarlo y hacerlo posar de acuerdo con sus nociones de belleza; finalmente, pueden atenuar o acentuar su obra mediante el retoque. Pero a pesar de todo su gusto y habilidad, el resultado casi nunca es satisfactorio para los ojos habituados a las armoniosas simplificaciones de la Antigüedad. En seguida nos molestan las arrugas, las bolsas y otras pequeñas imperfecciones que se han eliminado en el esquema clásico. Debido a nuestra larga costumbre, no lo miramos como un organismo vivo, sino como un dibujo. En casi cada uno de sus detalles, el cuerpo no es esa forma que el arte nos ha hecho creer que debería ser. Podemos mirar con placer fotografías de árboles y de animales, cuyo canon de perfección es menos estricto. Consciente o inconscientemente, los fotógrafos reconocen que en una fotografía de desnudo, el objetivo real no es reproducir el cuerpo desnudo, sino imitar la concepción de algunos artistas sobre lo que debe ser el cuerpo desnudo.

Rejlander, contemporáneo de Courbet realizó una de las más bellas fotografías de desnudo sin saberlo. Lo consiguió parcialmente porque su arquetipo inconsciente era realista.

Cuanto más se acerca el modelo al ideal, más desafortunados son los fotógrafos que intentan imitarlo.