Hombre que lleva en el alma, sonidos genuinos y melodías que conviven en una profunda relación con la Patagonia argentina. El respeto por lo esencial de la vida, y el cariño hacia su tierra, hacen que este cantor de los pagos lejanos del sur, nos transmita de forma muy transparente, las vivencias, pasares y pesares de toda una región…
Eduardo Paillacánes un cantautor, trovador y guitarrista mapuche.
Músico que lleva en su camino mas de 35 años de labor artístico, y el que bien ha sabido nutrir mediante interpretaciones de canciones de origen ancestral y composiciones musicales de este tiempo, cantadas en el idioma del pueblo Mapuche. Canciones de autoría y de otros compositores patagónicos también.
Entre las presentaciones mas importantes que ha dado Eduardo a lo largo de su carrera, se encuentran:
Encuentro de Trovadores Patagónicos, Trelew, Chubut, 2005, 2006 y 2007
Escenario de Cosquín, 2006
Programa Nacional "La Música de Todos" (Esquel, Chubut, 2005)
Feria del Libro en Palermo, 2000
Presentación del libro "Crónicas de la Resistencia Mapuche", de Adrián Moyano, en Filosofía y Letras de la U.B.A.
XIIV Festival de Cine (Derechos Humanos): participación en la presentación del documental "Mapuche Nación que Vuelve"
Participación en el cierre del "Primer Encuentro de Pueblos Originarios", organizado por INADI, Buenos Aires.
Eduardo produjo también un documental audiovisual titulado Camaruco de Pie y el que se basa en un encuentro con las raíces del pueblo mapuche. El mismo refleja la ceremonia ancestral mapuche que aun se realiza en distintas comunidades de la Patagonia. Desde este testimonio podemos compartir y comprender el aporte de este ritual espiritual en lo referente a la construcción musical de los creadores patagónicos.
Discografía
Plegaria de la guitarra (1992)
Todos sus discos guardan aires meramente folkloricos, en los que se escuchan Milongas, polcas, huellas, cuecas, zambas, guainos y canciones y loncomeos.
Se acerca el final del año y desde IMAGENESTW queremos hacer llegar nuestros saludos a todos los que nos acompañaron a lo largo de los dos años de nuestro blog y ahora en esta primera etapa de un nuevo desafío. En nombre de quienes hacemos la revista, agradecemos a todos aquellos que nos han brindado su apoyo, amistad y reconocimiento. Gracias por su compromiso, por su participación y esperamos contar con ustedes durante todo el año que pronto empieza. Un abrazo cordial, salud y trabajo para todos!!! Raúl Gallego
Estimados amigos todos, con un mezcla rara de satisfación, incertidumbre, melancolia, cierta dosís de aprensión, pero cargados de ilusiones y sueños nuevos, ayer en horas de la noche pusimos "al aire" nuestro sitio web. http://www.imagenestw.com.ar
Nos lanzamos al ruedo cybernetico con casa propia!... después de mucho trajinar, de muchas idas y vueltas armando nuestra "nueva casa", hoy podemos decir que estamos en camino; que empezamos a compartir con Uds. queridos lectores y amigos, nuestra publicación online!
http://www.imagenestw.com.ar , es un sitio web (como este blog de la coctelera) que nos permitirá comunicarnos y conocernos más alla de cualquier frontera. Dedicado al intercambio noticioso, abierto a la ideas, a la participación, a la reflexión y al desarrollo del conocimiento humano, fue creado con la principal finalidad de acercarnos el mundo de la cultura, las artes plásticas, visuales, las noticias, el deporte, las letras, al universo de la fotografía y a todo aquello que nos sirva para crecer (y creer) para ejercer nuestro propio derecho de libertad... los esperamos!!
PD: un parrafo aparte merece la dirección de esta bendita "batidora" ( a sus creadores, dueños , programadores etc.)que nos permitió gratuitamente , desarrollar nuestra idea, conocerlos y compartir casi dos años y medio de nuevas experiencias, notas, fotografía pero principalmente, lograr una comunicación y una comunión de ideas que nos deja contentos y satisfechos con la tarea que emprendimos alla por junio del 2007, cuando este, solo era un proyecto que daba sus primeros pasos. GRACIAS A TODOS, son hasta el momento más de 400.000 personas!! las que nos visitarón , las que compartieron, opinaron, nos criticarios y nos mimaron a lo largo de todo este tiempo. Nuestro compromiso será el de siempre, trabajar con responsabilidad manteniendo nuestros valores para lograr una sociedad más justa en la que todos estemos involucrados. GRACIAS de nuevo y hasta pronto
PD": No se crean se se libraran tan facilmente de nosotros!!! :)
El Museo Municipal de Artes Visuales ofrece a la comunidad de Trelew no sólo un espacio de exhibición de obras plásticas, sino que su recinto ha servido de escenario para numerosos eventos culturales, como así también para la presentación de talentosos músicos de nuestra ciudad. Es en este marco, que el sábado 21 de agosto a las 21.30 volverá nuevamente al MMAV con el auspicio de la Municipalidad de Trelew, el reconocido bajista y contrabajista Fabián Nesprías, pero esta vez como integrante de una reciente formación "CDN Jazz". Conforman también el grupo Maximiliano Carrilero en piano y Joel Dahhur en batería; la sangre nueva y el talento oportuno para seguir incorporando a la zona del Valle un sentido jazzístico de la música. La formación se centra en recrear con estilo propio un repertorio de clásicos del género, donde la improvisación se liga con el cuidado en los arreglos de cada tema. El color propio del toque hace recordar a formaciones típicas de los combos de jazz incorporados en los 60, en donde el arte de improvisar se experimenta conformando el núcleo central por donde pasa el estilo. La velada contará además con la participación de destacados músicos invitados. Estaran presentes en esta oportunidad: Mariana Díaz Jones en voz, Alejandro Simonovich (guitarra eléctrica) y Matías Ruiz (Saxo Alto).Una velada de lujo junto a distinguidos intérpretes de un estilo que cautiva y del cual cada día, se enamoran más y más adeptos. La entrada $ 20.-
El 11 de julio se celebra el Día Nacional del Bandoneón con motivo del natalicio de Aníbal Troilo quien fue bautizado como Aníbal Carmelo Troilo pero será recordado eternamente como “Pichuco”. Fue uno de los más grandes creadores del tango y grabó una extensísima obra.
Fue maestro del bandoneón, compositor y director de una de las orquestas más recordadas del género musical porteño, con la cual había debutado en 1937. Murió el 18 de mayo de 1975.
Había una vez un fueye de pantalones cortosPor Mariano del Mazo
Hay datos que el destino se encarga, retrospectivamente, de subrayar. Resignada a que jamás sería farmacéutico, Felisa le compró el primer bandoneón a su hijo Aníbal Carmelo Troilo "a un ruso de la calle Córdoba". Costaba 120 pesos y acordó un pago mensual de diez cuotas de 12. Aníbal tenía 11 años, se había encandilado con unos bandoneonistas que tocaban durante los picnics que organizaba la sociedad La Fanfarria en los terrenos del antiguo Hipódromo Nacional, gastaba horas simulando tocar el fueye con un almohadón de pluma y se había comprometido a pagar él mismo, con changas, cada una de las cuotas. El cobrador pasó dos meses y nunca más se supo nada de él ni del "ruso". Troilo comenzaba su historia con el tango con una deuda impaga.
Lo que ocurrió a partir de ese momento tuvo un vértigo meteórico. El chico se hizo un hueco entre la escuela y el fútbol (alternaba como centrohalf y centrofoward en los clubes Regional Palermo y San Salvador) y se contactó con Goyo, un muchacho que tocaba el bandoneón en cafés del Centro. Aníbal quería aprender pero Goyo era, apenas, orejero. Le dijo que probara con un maestro que él conocía, Juan Amendolaro. A él recurrió Troilo. Después de seis meses febriles, Amendolaro tiró la toalla. "Ya está, pibe. No tenés nada que aprender".
Debutó de rigurosos cortos y con gesto de gorrión mojado en el cine Petit Colón de Córdoba y Laprida, a algunas cuadras de su casa de Cabrera 3457, donde nació el 11 de julio de 1914. Nadie entendía bien de dónde venía el talento musical. Su padre, carnicero, apenas rasgaba la guitarra; su madre, ni eso. "Yo no soy músico —diría muchos años después—; yo soy tanguero. ¿Me imaginás a mí tocando la flauta?"
Lo concreto es que en aquellos años, y antes de formar su propia orquesta en 1937, Aníbal Troilo realizó un veloz aprendizaje tocando en distintas formaciones bajo la dirección de Juan Maglio "Pacho", Elvino Vardaro, Osvaldo Pugliese, Alfredo Gobbi, Lucio Demare. Secreta o inconscientemente estaba definiendo su estilo. En algunos años haría crujir las estructuras del tango. Se convertiría en un símbolo de Buenos Aires y en una síntesis perfecta del buen tango popular; su hinchada sería heterogénea, equidistante del pulso anfetamínico y masivo de Juan D'Arienzo y de la elegancia de salón de un Osvaldo Fresedo, por citar dos extremos.
Además del puntapié inicial como director, 1937 también significó el comienzo de su relación con Zita. Fue una relación tormentosa, que se volvió todo ternura en el final. Zita solía contar que su marido bajaba con la bolsa de los mandados a comprar soda y volvía a los tres días... "¡y sin la soda!". La bohemia de Troilo estaba hecha de noches eternas.
Cuando la década de oro del tango se extinguió junto con los carnavales y Aníbal Troilo ya había convertido a un puñado de buenos cantores en los mejores del género y no estaba más el rasgo saliente de Orlando Goñi al piano ni José Basso, Pichuco se fue replegando hacia formatos más pequeños. Su sociedad con Roberto Grela pulió de un modo insuperable la tradición criolla de fueye y guitarra. Y su cuarteto con Osvaldo Berlingieri (luego reemplazado por José Colángelo), Ubaldo De Lio y Rafael del Bagno atravesó como una ráfaga de luz las madrugadas de boliches como Caño 14 que resistían como podían los embates del rock and roll, el boogie italiano y El Club del Clan.
Nutrido en las filas de su orquesta, Astor Piazzolla se había lanzado a inventar otra historia y a profundizar, también, su tensa y ambigua relación con el tango tradicional, Troilo incluido.
El famoso poema Nocturno de mi barrio ("dicen que me fui de mi barrio, pero ¿cuándo? / Si siempre estoy llegando...") colaboró a fortalecer el mito. Ya era el Troilo crepuscular. Cuarenta años de nocturnidad habían hecho mella, y además atacaba la artrosis. "La peor enfermedad para un bandoneonista", decía Zita.
El 17 de mayo de 1975, un día antes de su muerte, en el teatro Odeón, fue su última actuación. El espectáculo se titulaba Simplemente Pichuco y se escucharon Danzarín, A mis viejos, La última curda, Pa'que bailen los muchachos, Sur.
Quedaron 64 composiciones entre tangos, valses y milongas. Y también un imaginario de actos nobles y buenos, de amistades blindadas, de sobremesas y correrías. Una idea vaga de que Aníbal Carmelo Troilo hacía feliz a la gente...La vieja deuda del bandoneón —las diez cuotas impagas— puede considerarse saldada.
El gordo triste le decian...Aníbal Carmelo Troilo, alias Pichuco (11 de julio de 1914 - 18 de mayo de 1975): fue bandoneonista, compositor, director de orquesta de tango, el bandoneón mayor de un Buenos Aires que hoy ya no esta...su legado musical permanece inalterable a lo largo del tiempo y sigue regalandonos la magia inconfundible de su talento inigualable. Nelly Vázquez, Roberto Goyeneche, Edmundo Rivero, Elba Berón, Raúl Berón, Aldo Calderón, Ángel Cárdenas, Jorge Casal, Francisco Fiorentino, Pablo Lozano, Amadeo Mandarino, Alberto Marino, Carlos Olmedo,Tito Reyes (el cantor que estuvo más tiempo con Troilo: once años, hasta el final), Roberto Rufino, Floreal Ruiz, entre otros fueron las voces que se sumaron a su fuelle y orquesta en la época dorada del tango argentino.Simplemente, mágico, un maestro que nos dejo fisicamente, hace 35 años-
Su Biografía
Nació en la ciudad de Buenos Aires (Argentina), casualmente en la misma manzana donde nacieron el pianista de jazz Enrique Mono Villegas (1913-1986) y el pianista de folclore Adolfo Ábalos (1914-2008).
Sus padres se llamaban Felisa Bagnolo y Aníbal Carmelo Troilo. Su padre le pondría el seudónimo de Pichuco. En el litoral argentino, pichuco significa ‘negrito', según algunos como diminutivo híbrido de pichú, que algunos autores alegan incorrectamente que proviene del idioma guaraní (aunque en guaraní «negro» se dice cambá). Quizá tenga que ver con el guaraní pichĩ, ‘pequeño'. Otra teoría supone que provenga de pichuquear (verbo españolizado del sustantivo quechua pichusca, ‘desprendimiento de las flores inútiles del algarrobo en noviembre' (principio del verano boreal). en todo caso una simple anécdota , lo importante fue y es su música sin par.
Durante su niñez, Troilo escuchaba tocar el bandoneón en los bares de su barrio. A los 10 años convenció a su madre para que le comprara su primer bandoneón. Felisa lo compró a 140 pesos de entonces, a pagar en 14 cuotas de 10 pesos; pero luego de la cuarta cuota el vendedor desapareció y nunca reclamó el resto.
Con ese bandoneón, Troilo tocó casi toda su vida.
Un año después, en 1925 (cuando contaba con 11 años de edad) Pichuco realizó su primera actuación, en un bar pegado al Mercado de Abasto (el mercado central de frutas y verduras de Buenos Aires). Más tarde integró una orquesta de señoritas. A los 14 años ya había formado un quinteto.
En diciembre de 1930 fue contratado para formar parte del famoso sexteto del violinista Elvino Vardaro, el pianista Osvaldo Pugliese y Alfredo Gobbi (hijo) (quien era apenas el segundo violín del conjunto, pero más tarde se haría célebre como director de orquesta). Allí tuvo como compañero a Ciriaco Ortiz, de quien Troilo más adelante se consideraría deudor. Ese sexteto no realizó ninguna grabación discográfica.Troilo pasó por numerosas orquestas, entre otras, las de Juan Pacho Maglio, Julio de Caro, Juan D'Arienzo,Ángel D'Agostino y Juan Carlos Cobián.
Centra su atención en tangos lunfardos, reos y carcelarios de las décadas del 20' y el 30', para recorrer con tono introspectivo esa zona oscura y olvidada del género. De esta manera exhuma un repertorio "políticamente incorrecto" en el que abundan historias sobre droga, mujeres de avería, robos, amores contrariados y violencia.
La temática de estas poesías y la forma de abordar los arreglos constituyen el concepto artístico del grupo. El discurso musical, se desarrolla con un criterio orquestal que permite que los músicos asuman distintos roles según el momento de la obra y establezcan una lograda interacción con el cantor.
34 Puñaladas no pretende hacer una reconstrucción de época, sino destacar la vigencia que por similitudes entre ambos contextos sociales, conservan estos tangos, a través de interpretaciones que tienen un contenido artístico actual. El repertorio se compone de obras cantadas (La gayola, Audacia, Quien más quien menos, etc.), instrumentales (Milonguero viejo, A Orlando Goñi, Milonga triste, etc.) y recitados de poesía lunfarda
El grupo bebutó en 1998 desde entonces realizó presentaciones en distintos ámbitos de la ciudad de Buenos Aires, participó en las últimas cuatro ediciones del Festival Internacional de Tango de Buenos Aires y en la edición del Festival Guitarras del Mundo del mes de septiembre de 2002.
En 2002 editaron su primer CD titulado "Tangos Carcelarios". Fue presentado a en el Teatro Alvear de Buenos Aires durante el mes de junio del mismo año y a fines de 2002 ganaron el Premio Clarín en el Rubro Tango Revelación al tiempo que el diario La Nación los eligió como el Grupo revelación de tango del año 2002..
Entre 2002 y 2006 editan los discos Tangos carcelarios, ganador del Premio Clarín en el rubro tango revelación y también elegido en el mismo rubro por el diario La Nación; Slang, nominado para la edición 2006 de los Premios Gardel a la Música, en el rubro "mejor grupo u orquesta de tango"y Argot, nominado para la edición 2007 de los Premios Gardel a Música en el rubro "tango nuevas formas". Esta trilogía resume la etapa como intérpretes.
En 2006 se produce una "refundación" del grupo, ya que comienzan a transitar una etapa basada en composiciones propias, tanto en música como en letras. Luego de tres años de trabajo en esa dirección, editan en abril de 2009 Bombay Bs.As., reconocido en forma unánime por la prensa como el disco de tango más original de los últimos años. Este cuenta con la participación como invitado del prestigioso cantautor brasileño Vitor Ramil. Además, la gráfica esta basada en cuadro de Juan Lorenzo, destacado artista plástico que además integra el grupo como compositor y guitarrista
Debido al particular repertorio y abordaje del género, participaron en prestigiosos festivales internacionales en Brasil, Chile, Uruguay, Francia, España, Portugal, Italia, Austria y Australia, donde compartieron cartelera con destacados artistas como Hermeto Pascoal, Diego "El Cigala", Marc Ribot, Chambao, Bebe, Café Tacuba, Youngchen Lhamo, Rufus Wainwright, Miguel Poveda, Cristina Branco, Mónica Akihari, Chicuelo, Duquende, Amadou et Mariam y Faiz Ali Faiz, entre otros.
Sus Integrantes:
Augusto Macri, Edgardo González y Juan Lorenzo -GUITARRAS-, Lucas Ferrara -GUITARRON- Alejandro Guyot -VOZ-
Edmundo Rivero y su versión de una de sus iconos "34 puñaladas"
"Queridos desconocidos en general y sin embargo amigos la mayoría:
El 23 de Febrero aparece mi último trabajo discográfico: "Hijo de la luz y de la sombra". Un puñado de canciones sobre poemas de Miguel Hernández (poeta y soldado Republicano, Orihuela, 30 de octubre de 1910 - Alicante, España, 28 de marzo de 1942) .
Una prolongación del disco que apareció en 1972 y también un complemento. Trece nuevas canciones componen esta entrega. Un amplio recorrido por la obra de Miguel Hernández que incluye desde poemas de juventud como "La palmera levantina" hasta versos de "Hijo de la luz y de la sombra", el más hondo y ambicioso de sus poemas, probablemente su obra maestra cuya lectura recomiendo de manera especial. ¿Por qué vuelvo a escarbar de nuevo en la obra de Miguel Hernández...? Fundamentalmente por dos razones. Una, porque este año se cumple el Centenario del nacimiento del poeta y, como viejo amigo que soy, me sentía en la obligación de celebrarlo desde los escenarios. La gente me lo iba a pedir. La gente ama al poeta y, como yo, no dejaría pasar la onomástica sin recordarla. En principio, la idea buscaba apenas refrescar el viejo repertorio con un par de nuevas canciones así que, sin grandes expectativas, volví a bucear en su poesía pero a medida que los viejos versos me devolvían nuevas emociones y las ideas se iban materializando en canciones fue creciendo mi entusiasmo hasta que finalmente, a la vista de la bondad del material resultante, aposté decididamente por este trabajo que ahora presento. Una nueva entrega de sus versos listos para cantar.
La otra razón que me ha empujado a volver sobre la obra de Miquel Hernández, la más importante y la que me convenció del interés y validez del proyecto es la intemporalidad de su poesía, la vigencia de sus versos más allá del lugar y el tiempo en que vieron la luz, más allá del contexto en que nacieron, versos que siguen sonando tan sólidos y frescos como si hubieran sido escritos ayer y aquí.
Ha sido fundamental haber contado con magníficos colaboradores para llevar el proyecto a buen puerto. A todos ellos mi gratitud, desde la capitanía de Joan Albert Amargós en la preparación de las canciones, los arreglos y la dirección musical hasta la paciencia y el trabajo de Raúl Cuevas en la grabación y de José Luis Crespo en las mezclas. Ellos son una muestra de la larga lista de amigos y colaboradores que han hecho posible este "Hijo de la luz y de la sombra"
Me gustaría que este trabajo ayudase a acercar al público la poesía de Miguel Hernández, a mi entender uno de nuestros poetas contemporáneos fundamentales, y que la gente, más allá de las canciones, encuentre en los libros el alma del poeta. La fecha de aparición de este trabajo es producto del azar aunque confieso que no me parece mal la coincidencia. Al fin y al cabo, visto desde la distancia, el 23 de Febrero de 1981fue el día en que el franquismo perdió su última batalla y nada mejor que celebrarlo con vosotros descorchando este manojo de canciones que, con versos del poeta de Orihuela, he preparado en la esperanza de que os conmuevan como a mi".
Joan Manuel Serrat ________________________________________ "Hijo de la luz y de la sombra"
En América es redundante, pero nunca deja de ser grato, hablar acerca del trabajo discográfico de Serrat y su cercanía con los poetas, sin embargo me gustaría compartir con ustedes un texto que el propio Serrat escribió y que forma parte de la tapa en la edición mejicana de aquel disco del 72:
"Conocí a Miguel Hernández en uno de aquellos bancos del umbrío jardín de la universidad, la vieja y entrañable Universidad Central a cuyo balcón principal un glorioso día se asomó la libertad para arrojar sobre la acera el busto altivo del dictador. Gran día aquél. Luego llegaron sus lacayos y nos comieron a palos, pero no importa. En aquellos bancos hablábamos de amor, conspirábamos contra el régimen, leíamos poesía y tomábamos el sol al mismo tiempo. En aquellos claustros, en aquellos jardines, en aquellas aulas, entre octavillas clandestinas y apuntes de Genética Aplicada, también iban de mano en mano los maravillosos libros que desde Argentina nos hacía llegar la Editorial Austral -bendita sea- y que nos devolvían a aquellos que fueron condenados al ostracismo, con toda su voz y todo su acento. Aquellos libros eran ventanas abiertas por las que entraba un aire nuevo que ventilaba el tenebroso tiempo de la dictadura.
Quisiera que los que escuchen estas canciones recuerden que su autor fue un poeta perseguido, condenado y encarcelado. Un hombre que murió en prisión por el delito de pensar y escribir cosas como las que aquí pueden oír. Fue un pastor de cabras, fue una persona comprometida con su gente y con su tiempo. Un hombre sencillo y sensible que amaba la libertad y decía:"... soy como el árbol talado que retoño y aún tengo la vida" ... y se la quitaron. Que el destino mantenga fresca la memoria y nos libre de aquellos que asesinan a los poetas y a la poesía."
Audio del poema "Canción del esposo soldado", recitado por el mismo Miguel Hernández de éste link
Agradecimientos: a mis amigos de jazztelia.com por el audio, y a cafetecliterario.files.wordpress.com por las fotografías (foto Serrat-Hernández creada para el post). Gracias por todo Nano!
